Leyendo sobre concursos de fotografía, me encuentro con este del Consejo Forestal Mundial. Mirando detenidamente las bases, apareció esto:

5) Presentación:

(…) d)- La técnica será libre. Se aceptarán tomas digitales sin ningún tipo de proceso en algun programa de edicion (Photoshop, etc.), bajada en papel fotográfico.

Acá hay un problema. Los organizadores piden que no haya “ningún tipo de proceso” de edición. Eso es IMPOSIBLE. Todas las fotos que publico en este sitio tienen algo de edición. En general son apenas minutos: recortar las mejores partes de la foto, achicarla a tamaño web, comprimir, a veces ajustar el balance de blancos, el contraste, corregir la exposición a través de la herramienta de curvas, modificar el brillo y la saturación del color y a veces convertirlas a Blanco y Negro. Suena a muchísimo, pero no es más que lo que hacían todos los fotógrafos al seleccionar filtros, películas y procesos de revelado y ampliado antes de la era digital. Nada más que eso.

Pero hay algo más gracioso todavía. En un punto anterior de las bases, los organizadores exigen que los archivos recibidos tengan un lado máximo de 1000 pixels y un tamaño menor a 800 kb. Eso es IMPOSIBLE de lograr sin editar la imagen en una PC, por lo menos si buscamos fotos de calidad profesional: una foto con las dimensiones máximas permitidas, asumiendo que mantiene la proporción 2/3 tradicional, sería de 0.6 megapixels (mi cámara captura en 12 megapixels, y los profesionales de la fotografía paisajística usan equipos de más de 20 megapixels).

El problema pasa por entender que una cámara digital no “hace fotos”. Captura luz, que después nosotros debemos saber interpretar: de los fotones que un sensor digital convierte en señales eléctricas a la foto terminada hay una distancia enorme. En algún momento hay que editar esa información cruda, y no hay motivo para pensar que una cámara lo va a hacer mejor que un ser humano.

¿Significa esto que vale todo, en cualquier circunstancia? Para nada. El fotoperiodismo, por ejemplo, es una disciplina estricta. Pero aún los medios más prestigiosos del mundo no prohiben la manipulación de sus fotos. El New York Times, por ejemplo, tiene este párrafo en su código de ética:

Images in our pages, in the paper or on the Web, that purport to depict reality must be genuine in every way. No people or objects may be added, rearranged, reversed, distorted or removed from a scene (except for the recognized practice of cropping to omit extraneous outer portions). Adjustments of color or gray scale should be limited to those minimally necessary for clear and accurate reproduction, analogous to the “burning” and “dodging” that formerly took place in darkroom processing of images. Pictures of news situations must not be posed.

Traduccion rápida: las imágenes deben transmitir la realidad de manera genuina en todo sentido. No se permite agregar, reacomodar, invertir, distorsionar o quitar objetos o personas de una escena (excepto por la práctica de recortar para omitir porciones externas irrelevantes de la imagen). Ajustes  de color o escala de grises deben ser limitados a aquellos minimamente necesarios para la reproducción clara y certrea, de manera análoga al proceso analógico de revelado de fotografías. Las fotos de situaciones de noticias no deben estar posadas.

O sea: hasta el New York Times entiende que se puede manipular una foto sin mentir. Y esto vale doblemente para fotos artísticas, fuera del contexto periodístico. Manipular fotos digitalmente no significa recortar un oso polar y agregarlo a una escena de un bosque tropical de Formosa… y de cualquier manera, estaría tan mal hacer eso como llevar un oso hasta Formosa para sacarle una foto, según la última oración del texto del NYT.

(Para ilustrar, una imagen panorámica de Entre Ríos, elaborada a partir de 12 tomas distintas. Es IMPOSIBLE hacer eso sin edición en un programa de computadora)

Aprender a sacar fotos no es tan difícil como desenredar un cisne

Si te interesa, hacé clic acá o dejá tu mail en los comentarios.

Olé publicó en su edición de hoy esta foto que saqué ayer en el amistoso Platense – Villa San Carlos (Pág 29, es la foto más grande de la página). Estoy muy feliz de haber logrado publicar una foto en el diario deportivo de más circulación. Un hito enorme para mi currículum fotográfico, sobre todo por no tener equipo profesional (los fotógrafos deportivos en serio usan cámaras y lentes que cuestan, fácil, diez veces lo que cuesta mi kit) y por el poco tiempo que llevo sacando fotos de fútbol (dos amistosos).

La línea es el segundo elemento fundamental de la composición fotográfica

En el primer post de esta serie sobre Geometría Fotográfica, estudiamos la importancia de los puntos de interés en fotografía. En geometría, el punto es una entidad sin dimensión. En pos del progreso permanente, hoy vemos la línea, que tiene (una) dimensión.

Si mis recuerdos de la primaria (y de Borges) no me engañan, la recta es una sucesión infinita de puntos ordenados, sin principio ni fin. En fotografía, la línea no es una serie de puntos sino una interpretación que nosotros hacemos de esos puntos. Cualquier cosa puede ser una línea: un árbol, una pared, un cable, el horizonte, un borde iluminado de una figura a contraluz. La línea es un elemento básico de composición que nos sirve para dirigir la mirada del espectador hacia distintas regiones de nuestra imagen. Más adelante, también nos servirá para definir formas y volúmenes.

Líneas Rectas

Hay tres tipos básicos:

1) Horizontales. Son las líneas paralelas al horizonte. Lo paradójico del tema es que en realidad el propio horizonte, estrictamente hablando, es curvo (porque algunos podrán cuestionar la evolución, pero la esfericidad de la tierra no es tema de debate serio ¿o si?). Siendo curvo el horizonte, las únicas líneas horizontales son creaciones humanas. Siendo generosos, hay elementos minerales, vegetales y hasta animales que pueden servir como línea horizontal en nuestra composición., aún cuando no sean horizontales en sentido estricto. En general, se entiende que las líneas horizontales transmiten paz, quietud, estabilidad. Son las menos indicadas para transmitir una idea de movimiento.

Esta foto está compuesta como una serie de "franjas" paralelas al horizonte, realzando el efecto calmante de las líneas horizontales.

2) Verticales. Son las líneas perpendiculares al horizonte. De estas si sobran ejemplos en el mundo natural: los árboles pueden interpretarse como líneas verticales. Incluso la propia figura humana, a distancia, puede interpretarse como una línea vertical. ¿Qué transmiten? Majestuosidad, realeza, poder, fuerza. ¿Te diste cuenta alguna vez que las iglesias, oficinas públicas, y las sedes de grandes empresas tienden a utilizar techos altos y muchas columnas? Cada columna es una línea vertical realzando la fuerza de la institución. Las líneas verticales son más dinámicas que las horizontales, pero menos que las diagonales.

Notá la prominencia de las líneas verticales en la imagen, que transmiten una fuerte imagen de majestad divina.

3) Diagonales. Son todas las líneas rectas que no están dentro de las categorías anteriores. Están definidas por el desequilibrio: en la naturaleza, las líneas diagonales se asocian a objetos desbalanceados, a las pendientes, y a otros elementos similarmente dinámicos. Las líneas diagonales son sumamente potentes y connotan una fuerte sensación  de movimiento. Funcionan de manera excelente para atrapar el ojo del espectador y guiarlo hacia un punto de nuestra composición.

Las diagonales de este ventilador de mediados de siglo pasado transmiten una potente sensación de movimiento, pese a que el aparato está apagado y quieto

¿Se pueden combinar los tipos de línea? Por supuesto. Las mejores composiciones son aquellas que atrapan al espectador por la interacción entre sus elementos, entre ellos las líneas. La imagen de la iglesia que sirvió de ejemplo para las líneas verticales incluye también varias líneas diagonales en su parte inferior, que guían la mirada hacia el altar y la cruz. También en la próxima foto podemos apreciar la interacción entre verticales y horizontales, enmarcando un motivo nostálgico (la hamaca rota, casi simbolizando la inocencia perdida).

Esta hamaca está enmarcada por fuertes líneas verticales (la cadena y los árboles) y horizontales (el caño y el horizonte). La interacción de líneas verticales y horizontales fortalece el efecto calmante de las segundas, al tiempo que eleva al motivo principal de la fotografía.

¿Dónde ubicamos las líneas?

Este es un tema sumamente subjetivo (pero, al fin y al cabo, ¿qué no lo es cuando hablamos de arte?). Acá hay un par de sugerencias:

• Sobre las líneas de tercios. Como vimos en el post sobre regla de los tercios, las líneas de tercios son un lugar poderoso para ubicar nuestras líneas.
• Enmarcando nuestro sujeto principal. Muchas veces, puede resultar deseable que el sujeto quede total o parcialmente enmarcado por líneas fuertes.
• Las diagonales surgiendo de las esquinas. Para potenciar una diagonal podemos aprovechar las esquinas del marco. Muchas veces el efecto dinámico de una diagonal se maginifica al hacer que la línea surga o desaparezca de una de las esquinas de la foto.
• Partiendo al medio la imagen. Si, es ignorar totalmente la regla de los tercios, pero a veces puede funcionar. Una linea que divide una composicion al medio genera una imagen simétrica: si logra retener el interés del espectador, será una fotografía fuerte. En general, las mejores simetrías son las más exactas. Un elemento discordante puede arruinar toda la composición. A veces hay que ir a todo o nada, sabiendo que es mejor una imagen deliberadamente asimétrica que una simetría imperfecta.

¿Está terminado el tema de la línea?  ¡Para nada! Todavía faltan ver varios tipos de líneas menos ortodoxas. Por ahora, lo dejamos acá, pero sabiendo que falta todavía para terminar el tema.

En fotografía digital, la cámara captura las imágenes en color (en realidad, es un poco más complicado que eso, pero por ahora dejémoslo ahí). La mayoría de las cámaras compactas tienen modos de captura en blanco y negro, pero son un desperdicio: si sacás la foto en color y la convertís a blanco y negro en tu computadora más tarde, tenés la opción de elegir la que más te guste más tarde. Si la capturaste en blanco y negro, no tenés opción de colorearla. Además, el trabajo en blanco y negro en la computadora te permite terminar de retocar la imagen como más te guste, lo que es bastante más fácil en blanco y negro que en color.

Para empezar, veamos dos mecanismos sencillos de GIMP para convertir imagenes a blanco y negro que no requieren trabajo fino: la conversión a escala de grises y el diálogo desaturar.

Esta es la imagen original que vamos a convertir

Convertir a escala de grises

Este es el mecanismo más sencillo para convertir una fotografía a blanco y negro. Es, también, el más destructivo: GIMP destruye toda la información de color, así que no olvides guardar tu nueva foto con un nombre nuevo. Para convertir a escala de grises, abrí el menú Imagen → Modo → Escala de Grises. Tu foto ya está en blanco y negro.

Así queda la foto tras ser convertida a escala de grises

Un problema de este mecanismo es que las imagenes resultantes son muy grises y monótonas. Una manera de solucionar este problema es usar el cuadro de diálogo de Brillo y Contraste. Para abrirlo, andá al menú Colores → Brillo y Contraste. Para la imagen del ejemplo, usé un valor de contraste de alrededor de 15.

Esta es la imagen final, con el contraste ajustado.

Desaturar

Otro mecanismo para convertir a blanco y negro de manera simple, pero que ofrece algo más de control, es la herramienta Desaturar. Para acceder a ella, abrir el menú Colores → Desaturar. El cuadro de diálogo desaturar ofrece tres opciones: Luminosidad, Claridad y Media. Cada opción prioriza un elemento distinto de la imagen para convertir a blanco y negro, lo que hace que las fotos resultantes sean levemente distintas. En nuestro ejemplo, la que da mejor resultado es la desaturación por luminosidad: permite apreciar claramente los diferentes tonos en la manzana.

Resultado de desaturar por claridad

Resultado de desaturar por luminosidad

Resultado de desaturación por media

Al igual que con el método anterior, podemos alterar el brillo y el contraste para acercarnos a la imagen que queremos.

Conclusión

Estos dos métodos (y la herramienta de brillo y contraste) nos permiten convertir nuestras fotos a blanco y negro con poco trabajo. Existen otros métodos para convertir nuestra imagen a blanco y negro, fundamentalmente el mejor de todos: el mezclador de canales. Como es más complejo que estos, lo dejo para un tutorial separado.  Pero por ahora, y para muchos principiantes, estos dos métodos permiten ejercitar la creatividad sin preocuparse por herramientas sofisticadas.

Podemos entrenar nuestra visión fotográfica pensando en términos geométricos.

“La línea consta de un número infinito de puntos; el plano, de un número infinito de líneas; el volumen, de un número infinito de planos; el hipervolumen, de un número infinito de volúmenes… No, decididamente no es éste, more geométrico, el mejor modo de iniciar mi relato”

Jorge Luis Borges, El Libro de Arena

Decididamente Borges tiene razón: partir de la geometría para narrar un relato fantástico es algo confuso. Pero para componer imagenes, los conceptos básicos de esta disciplina sí son un buen punto de partida. ¿Matemática para sacar fotos? Sí, pero no es difícil. Guardá la calculadora, el transportador y el compás, que acá no te van a servir para nada. Empecemos por el primer elemento geométrico, la más primitiva de las primitivas: el punto.

¿Qué es el punto?

El primero en utilizar el término “punto” para definir a un elemento aislado en el espacio fue Euclides, el primer teórico de la geometría, en Grecia alrededor del año 300 AC. El punto es el primer concepto geométrico de Euclides, que lo define como “lo que no tiene ninguna parte”. También agregó que “por un punto pasan infinitas rectas y planos”, y que, como dice Borges, una recta está compuesta por un número infinito de puntos.

Como eso no deja demasiado en claro, vamos a trabajar con una definición propia del campo fotográfico (y artístico en general): el punto de interés. En una composición, el punto de interés es aquel elemento de la imagen que captura la mirada. Es aquello que hace que nuestra foto merezca ser vista. Muchas veces coincide con el tema principal de la foto, pero no siempre.

¿Toda fotografía tiene un punto de interés? No necesariamente. Algunas no tienen ninguno. Otras tienen dos o más. Algunas tienen tantos pequeños puntos de interés que es como si no tuvieran ninguno: todo el potencial está distribuído alrededor del cuadro, con lo que ningún punto es tan fuerte como para retener el interés del espectador. Veamos esta foto:

¿Cuál es el punto de interés de esta foto? Algunos podrían decir que no hay nada que capture la mirada. Otros podrían ubicar en un plano de igualdad a cada una de las figuras de la foto. En el mejor de los casos, la chica de centro de la imagen podría tener una centralidad mayor a otras figuras, pero no llega a diferenciarse lo suficiente. En definitiva: esta foto no tiene un punto de interés claro, o tiene muchos pequeños puntos que no llegan a capturar la atención. Da lo mismo: es una composición bastante pobre.

Veamos, en cambio, esta otra foto sacada el mismo día a una cuadra de distancia:

Acá hay dos puntos de interés muy claros: el dragón (sobre todo su cabeza), en el fondo, y Pablo, el hombre del sombrero chino. Entre ambos, hay una importante cantidad de gente, pero no distrae sino todo lo contrario, agrega al clima de la imagen sin restar protagonismo.

Podemos, entonces, encontrar una primera regla de composición relativa a los puntos de interés:

“Una imagen poderosa se construye con pocos puntos de interés, pero fuertes”

y su corolario

“La calidad de los puntos de interés es inversamente proporcional a su cantidad”

Como regla informal, pensá en usar hasta tres puntos de interés fuertes. Como siempre, puede haber excepciones.

Poner los puntos en su lugar

Ahora sabemos cuantos puntos de interés usar. ¿Pero donde los ubicamos? En primer lugar, recordá otros tutoriales ya vistos: la regla de los tercios, y la guía de ángulos en fotografía. Como resumen de ambos artículos, podemos decir que el mejor lugar para ubicar un punto de interés es descentrado, preferentemente sobre una intersección de tercios en la imagen. Por ejemplo, mirá cómo la intersección entre la línea del tercio derecho y la del inferior se cruzan entre los ojos de la polilla y la punta de la rosa en la próxima imagen:

¿Quiere decir esto que nunca hay que ubicar el punto de interés en el centro del marco? No, nadie va a ejecutarnos por hacer eso, y puede haber excelentes fotos con puntos de interés centrados. El problema es que son mucho menos frecuentes: hace falta un motivo poderoso para centrar la atención. Como la fotografía digital es prácticamente gratis, hacete un favor y experimentá.

¿Qué pasa con las fotos que tienen más de un punto de interés? En general, lo ideal es tratar de mantenerlos en equilibrio. Por ejemplo, mirá de nuevo la fotografía de Pablo y el dragón más arriba: los dos puntos de interés están puestos en esquinas opuestas del marco.

Aislando el punto

A veces, el elemento que imaginamos como punto focal de una imagen está mezclado con su entorno, lo que genera una imagen confusa (como la de la multitud que vimos al principio). Para lograr una imagen con un motivo fuerte, tenemos dos opciones: en el “campo” (o sea, al sacar la foto) o en el “laboratorio” (en casa, con una computadora).

En el campo

Cuando estamos con la cámara en la mano, hay dos opciones:

1. Cambiar el ángulo. En general, es dificil que no podamos conseguir un ángulo que nos permita aislar al punto de interés. Es cuestión de usar la imaginación
2. Desenfocar. Una buena manera de aislar a nuestro punto de interés es desenfocando el fondo. Para hacer esto, lo ideal es usar un diafragma abierto, como f/2.8 o superior. Si no sabés controlar el diafragma de tu cámara, probá usar modos semiautomáticos como Retrato o Acción, que tienden a usar diafragmas abiertos.  También es importante separar al punto focal del fondo de la imagen: cuanta más distancia haya entre ellos, más desenfocado estará el fondo. Un detalle: es mucho más sencillo desenfocar usando una cámara réflex digital que con una compacta. Las compactas usan un sensor digital más chico, lo que les da una profundidad de campo ENORME.

En el laboratorio

Los programas de edición de imagenes como GIMP disponen de muchas herramientas para aislar a nuestros puntos de interés. Algunas ideas:

1. Desenfoque gaussiano. Seleccioná el motivo, invertí la selección, y aplicá el filtro. El punto focal va a destacarse mucho más.
2. Recortar. A veces, el problema reside en que hay demasiadas cosas en una imagen. Recortando podemos eliminar distracciones.
3. Oscurecer o aclarar. Como con el desenfoque gaussiano, a veces podemos aislar nuestro tema principal oscureciendo o aclarando algunas partes de la imagen. Funciona sobre todo en las fotos en blanco y negro.

Existen infinitos mecanismos para lograr este objetivo. Como muestra, acá hay una versión modificada de nuestra foto sin puntos de interés. Hay algo de recorte y decolorización selectiva. Puede no ser una imagen brillante, pero por lo menos es una foto sobre algo, no una imagen aburrida de una multitud.

BMP – El abuelo de los formatos de imagen

BMP es uno de los tipos de imagen más básico que existe. Su nombre es una contracción de “bitmap”, mapa de bits. Simplemente, graba información de color de cada pixel que compone una imagen. No es muy usado por no tener ningún tipo de compresión, dando lugar a imagenes pesadísimas. Era un formato muy utilizado hasta mediados de la década de 1990, cuando fue desplazado por JPG y GIF, entre otros, más económicos para la transmisión de datos por Internet. Hoy es un formato obsoleto.

Pro:

• No pierde calidad por compresión
• Es un formato ampliamente soportado por el software de diseño.

Contra:

• Son archivos sumamente pesados e incómodos de manejar

JPEG – El mejor formato comprimido

JPEG (o JPG) es el formato usado por la mayoría de las cámaras fotográficas como formato comprimido. Su nombre deriva del grupo que lo creó, el Joint Photographic Experts Group. La característica principal de JPEG es ser un formato comprimido: las imágenes JPEG ocupan mucho menos espacio que las almacenadas en otros formatos. El problema es que JPEG usa compresión “con pérdida”, lo que implica que algo de información se pierde en el camino cada vez que una imagen se guarda. Por eso hay que tener criterio a la hora de usar este formato, y siempre que sea posible respaldar las imagenes originales y trabajar sobre copias. Al haber sido creado por un grupo de expertos, la especificación JPEG está publicada y estandarizada, por lo que es un formato sumamente portable (cualquier programa puede abrirlo) y es probable que no existan problemas de compatibilidad con JPEG en el futuro previsible.

Pro:

• Es liviano, permitiendonos trabajar con imagenes grandes.
• Está estandarizado, con lo que podemos abrirlo en cualquier dispositivo y no generará problemas de compatibilidad en el futuro.

Contra:

• Es un formato de compresión con pérdida, con lo que cada edición de la imagen reduce su calidad total.

GIF – Comprimiendo el color

GIF (sigla de Graphic Interchange Format) fue diseñado a fines de la década de 1980 para la transmisión de imagenes por redes. La forma de compresión es distinta a la de JPG: en vez de degradar la imagen, GIF sólo permite usar 256 colores en cada imagen. Por esa limitación, es un pésimo formato para la fotografía digital. Fue usado durante mucho tiempo para logos y dibujos que no requerían gran cantidad de colores, pero está siendo reemplazado en cada vez mayor escala por los archivos PNG, un formato de mejor compresión y sin límites de color diseñado para sustituirlo. El único nicho que GIF todavía domina es la creación de animaciones cortas, que ningún otro formato de imagen mencionado en este artículo puede almacenar. Puede usarse para archivos con transparencia (muy usados en sitios web)

Pro:

• Son archivos livianos
• Puede usarse para crear animaciones
• Puede usarse para crear imagenes con transparencias

Contra:

• La calidad de color es mala
• La compresión no es tan buena como la de PNG, un formato similar

PNG – El sucesor de GIF

PNG (Portable Network Graphics) fue creado para evitar conflictos de patentes con los creadores de GIF. Hoy esas patentes expiraron, pero PNG está reemplazando a GIF por su mayor profundidad de color y su mejor compresión. Al no estar limitada la cantidad de colores, puede usarse como archivo de almacenamiento fotográfico sin pérdida de calidad, pero con imágenes mucho más pesadas que sus equivalentes en JPEG. Es un formato abierto y ampliamente soportado por navegadores de Internet modernos.

Pro:

• En imagenes con pocos colores, crea archivos más pequeños que GIF
• En imagenes con muchos colores, almacena imagenes con más calidad que JPEG
• Es soportado ampliamente por ser un formato abierto
• Permite crear imágenes con transparencia como GIF

Contra:

• En fotografía digital, es más ineficiente que JPEG
• No permite crear animaciones como GIF

Esta es la imagen original. El horizonte está levemente inclinado.

Paso a paso – como enderezar un horizonte

1) Usá una guía para comparar el horizonte

Hacé clic sobre esta regla para crear una guía horizontal.

Abrí la imagen que quieras editar en GIMP. En la foto de ejemplo, el paisaje parece inclinado a simple vista.

Para poder ver correctamente el grado de inclinación de la imagen, tenemos que crear una guía que nos sirva de nivel. Para hacerlo, hacé clic sobre la regla superior (justo abajo de la barra de menúes) y arrastrá el mouse hasta el horizonte.

Con la guía puede verse que el horizonte está levemente inclinado

2) Rotá la imagen

Ahora vamos a rotar la imagen. En la barra de herramientas, apretá el botón “Rotar” , y luego hacé clic sobre la foto. Se va a abrir un cuadro de diálogo como el que ves en la imagen.

Este es el cuadro de diálogo de la herramienta rotar

Tenés tres opciones para rotar la foto:

1. Rotación manual. Hacé clic sobre la foto (pero lejos del centro) y arrastrá el puntero. Es como si usaras tu mano para acomodar la imagen. Es rápido e intuitivo, pero poco preciso.
2. Rotación via texto. En el cuadro de diálogo podés ingresar cuantos grados querés rotar tu foto. Si el número que ingresás es positivo, la foto rotará esa cantidad de grados en sentido horario. Los números negativos te dan una rotación antihoraria.
3. Rotación via deslizador. Abajo del cuadro de texto para ingresar el ángulo hay un deslizador. Movelo hacia un lado u otro para rotar la imagen. Deslizar hacia la derecha te da rotación en sentido horario, a la izquierda en sentido antihorario.

Probá hasta que el horizonte quede paralelo con tu línea de guía. En general, salvo que hayas hecho alguna bestialidad, la corrección debería ser menor a dos grados.

3) Recortá

Bien, ahora tenemos una imagen con horizonte horizontal (valga la redundancia), pero nos quedan vacías las puntas de la imagen (que se salieron del marco cuando rotamos). Para solucionar el problema, recortá el centro de la imagen, como vimos en el tutorial anterior.

Notas finales

Enderezar un horizonte siempre implica recortar: en el camino, vas a perder pixels (y cuanto mayor sea la inclinación, más vas a perder). Tené en cuenta esto antes de enderezar fotos y, sobre todo, tratá de sacar las mejores fotos posibles dentro de la cámara y no en el proceso de edición. Estos métodos son para salvar fotos que de otra manera se perderían totalmente.

¿Qué es la regla de los tercios? Es una simplificación de una regla más antigua y compleja, la llamada “proporción dorada” descubierta ya por los antiguos griegos. Como entender esa regla requiere algo de matemática, y funcionalmente la regla de los tercios es bastante más sencilla de usar, voy a explicar la versión simple y moderna.

La regla:

Al componer una fotografía (o sea, cuando ves a través del visor o de la pantalla de LCD), dividí mentalmente la imagen en tercios, y ubicá los puntos de interés en las líneas que dividen tercios, o mejor aún, en las intersecciones entre esas líneas.

¿Ya te perdiste? No te preocupes, con los ejemplos se entiende perfecto. Acá arriba tenés una foto con una grilla de tercios marcada. ¿Notás algo? Hay unos cuantos elementos importantes en relación con los tercios:

1. La línea del tercio inferior casi coincide con la que forma el hocico del hipopótamo al salir del agua.
2. El ojo del hipopótamo está casi sobre la línea del tercio izquierdo. Es más, está muy cerca del punto de intersección entre el tercio izquierdo y el inferior.
3. La parte visible del hipopótamo ocupa casi dos tercios completos. La punta del hocico está casi sobre el límite del tercio derecho.
4. La línea del tercio superior coincide con el borde del estanque del hipopótamo, una de las líneas más fuertes de la imagen.

¿Se entiende ahora? Si el hipopótamo estuviera en el centro de la imagen, esta sería bastante aburrida. En cambio, como las líneas más poderosas de la imagen están sobre los tercios y los puntos de mayor interés están situados cerca de las intersecciones, la foto de Pipo Pótamo toma un dinamismo muchísimo mayor.

¿Por qué la ubicación de puntos y líneas sobre los tercios genera imágenes más poderosas? Para ser sincero, no tengo demasiado claro por qué. Por lo que se ve, la “proporción dorada” nos resulta naturalmene atractivos a los seres humanos. En lo personal, a mi me sirve como guía para descentrar creativamente los puntos de interés.

El corolario

A partir de esta regla podemos inferir otras. Por ejemplo: En un paisaje que incluye el cielo, tratá de ubicar el horizonte sobre una de las líneas de tercios.

¿Cómo elegir el tercio para ubicar el horizonte? Fijate. Si el cielo es horrible pero en la tierra hay algo muy interesante, ubicá el horizonte en el tercio superior. Si el cielo es lo mejor del paisaje, ubicá el horizonte en el tercio inferior. Es muy subjetivo esto, y requiere criterio y práctica.

Acá un ejemplo compuesto: el horizonte sobre el tercio inferior, el punto de interés principal sobre la intersección entre los tercios inferior e izquierdo.

Estas dos reglas pueden (y deben) combinarse. Si sacás un paisaje que incluye parte del cielo, puede ser muy efectivo colocar sobre el eje de alguno de los tercios un punto de interés (un árbol, una piedra, una montaña, un molino, lo que sea).

Herramientas

A veces, calcular los tercios se complica. Por suerte, hay varias maneras de simplificar la cosa:

• Muchas cámaras compactas tienen un modo para mostrar una grilla de tercios en el LCD. Buscá en el menú de tu cámara (o, si sos valiente, lee el manual) y activalo. A mi me resulta muy práctico cuando uso mi Powershot A540.
• Para los usuarios de cámaras reflex digitales, la cosa es algo más complicada. Si sacás fotos en modo Live View (o sea, viendo a través del LCD), podés aplicar la misma opción que con las cámaras compactas. Pero la mayoría de los fotógrafos no usamos una cámara reflex en Live View salvo que estemos usando un trípode y foco manual. En esos casos, lo mejore es guiarse usando los puntos de autoenfoque de la cámara. Esto sirve sobre todo si la cámara tiene una buena cantidad de puntos: los modelos de tres puntos sólo servirán para ubicar los tercios verticales, no los horizontales.
• Si usás un celular… comprate una cámara de fotos en serio.

Como todas las reglas, la regla de los tercios tiene frecuentes excepciones. Hay veces que uno no puede calcular los tercios con velocidad, y hay fotos que requieren simetría para impactar. Decididamente, en esos casos, la regla de los tercios no tiene nada que hacer. Pero saber la regla puede ayudarnos a pensar de manera creativa, y a entender por qué no nos conviene usarla en algunas ocasiones.

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